Un campeonato aparte (nota de E. Aliverti)

El Mundial juega su parte y cómo. Casi nadie (ni siquiera los “extraterrestres” que manifiestan un interés escaso o nulo) puede apartarse de la referencia al fútbol, aunque fuere desde la crítica destemplada. Pero aun si se quitara Alemania 2006, subsistiría una agenda pública huérfana de hechos trascendentes. No hay que engañarse con ese cliché de que la pelota tapa todo, al menos en este caso, porque no se advierte qué cosa necesitaría tapar.
El primer registro al respecto y siendo que la política y la información general ocupan un lugar fijo en el tratamiento periodístico, por más que no haya noticias relevantes, es la reintroducción de “la ola de inseguridad”.
De la noche a la mañana reaparecieron secuestros, asesinatos a mansalva, proliferación de asaltos callejeros, violaciones, patotas cada vez más salvajes. Por supuesto: nunca dejó de haber todo eso. Lo que sí hubo y seguirá habiendo es la polémica, un tanto absurda, acerca de si ciertos períodos de “bonanza” económica son o no coincidentes con una baja en la cantidad o sensación de los delitos.
Como si las “tranquilidades” pasajeras influyeran decisivamente en el clima violento de sociedades con monumentales masas de excluidos eternos. No señor. El sitio que ocupa la inseguridad en la grilla mediática es inversamente proporcional al que (no) llena el noticioso político.
Podría no haber Mundial pero, si apenas pasa que la mera reaparición de Lavagna es la única pimienta probable, y que los diarios deben titular con el reclamo por Malvinas, a no dudar que de todas maneras el vacío sería cubierto por el recurso más fácil: los hechos policiales. Más damas de compañía del tipo de la próxima ley del doble apellido o los hermanitos enamorados. O esos fascinantes estudios científicos que últimamente se reproducen como conejos en la prensa, y que nos revelan lo bien que hace comer más frutas y verduras, desayunar como Dios manda y controlar la presión arterial.
Se cita la presentación argentina en la ONU por lo evidente de la relación entre el despliegue que generó y el interés que despierta en realidad. Tanto los fundamentos como la prosa del canciller Taiana fueron apreciables y marcaron una distancia importante frente la hibridez discursiva que caracterizó al tiempo de las relaciones carnales con el Imperio y su socio británico. Pero no hay en todo el planeta quien desconozca la verdad: los ingleses sólo se sentarán a negociar –tampoco es seguro, ni mucho menos– cuando la obligue el peso de la Argentina en el escenario internacional. Como eso queda por ahora lejos, muy lejos, tampoco nadie cree que sirvan para algo que no sea nada las recurrentes quejas ante los foros burocráticos mundiales.
Por muy injusto y doloroso que resulte, Malvinas no existe, literalmente, entre las inquietudes del pueblo argentino. Es un conflicto que se da por perdido y en la sensibilidad colectiva (sectores progres incluidos) llega a haber inclusive un rechazo de negación, como lo demuestra el repugnante abandono en que se encuentran los ex combatientes.
En consecuencia, la elevación del tema a rango de título principal de portada de los diarios está hablando, a los gritos, de una ausencia o invisibilidad temáticas en verdad impactantes. Eso no es culpa del Mundial.
Y hasta subamos la apuesta, involucrando a los noticieros y realizaciones televisivas en general. Podría contemplarse también a la radio, aunque allí quedan todavía algunas opciones de “escape”.
La cobertura desde Alemania es insoportable, en cantidad y calidad. Podría decirse, sin miedo a cargar con el sambenito de ser tildado como alienígena, que la plata que se gastó para llenar la pantalla con un sinfín de tonterías inconmensurables es obscena. ¿Pero acaso venía sucediendo algo diferente hasta la irrupción del Mundial? ¿Acaso no hace ya un larguísimo rato que la producción informativa de trascendencia está huérfana de toda orfandad?¿Acaso no se estaba criticando la desaparición de los programas periodísticos de peso, y los resúmenes noticiosos en los que apenas parece contar el “color” y la frivolidad? ¿Andaba uno en otro mundo, o éste es el mismo mundo nada más que revestido de pelota? Hay gente que se indigna –periodistas incluidos– por la parafernalia mundialista.
Es comprensible y justificable. Sin embargo, no se nota que esa misma indignación se deposite sobre el conjunto de lo que ocurre en el universo mediático y del cual el Mundial es apenas uno de los emergentes (con el atenuante, si se quiere, de que cada cuatro años sucede exactamente lo mismo y nadie tiene derecho a la sorpresa).
Si la Selección Argentina confirma su marcha y alcanza los partidos finales, para no hablar de si gana el título, el súbito y desmedido exitismo originado en la goleada a Serbia alcanzará límites paroxísticos y parecerá que, definitivamente, ya no hay otro asunto que pueda o deba abordarse. Sería ese un mejor momento todavía para recordar que la pelota no oculta nada que antes (y después) no haya sido ocultado por una generalizada indiferencia social hacia las grandes cuestiones políticas y sociales

Don Gato y su Pandilla (-800-#1DONGATO) fono de Don Gato

Vamos por parte a describir a estos personajes animados que han quedado eternamente en nuestras retinas:

Don Gato: Que arrabalero, que astucia, que impronta mundana en ese callejón!!!
Es la versión cinematográfica de Darín en Nueve Reinas, un permanente estratega de la huida, sino recuerden cuando el buchón de Matute lo corría, el siempre le gritaba a la pandilla: "vamos muévanse" o sino: "Desaparezcan muchachos"
El tipo vivía en los billares, corriendo y "engatuzando" damas. Es el líder de la banda, guía a nuestros adorados gatos por los planes más rufianes, y siempre pensando en el hampa y los negocios turbios; tratando de evadir el temible batón de Matute.

Oficial Matute: El rati de la serie, el vigilante polizón que no le presta el teléfono a Don Gato (aunque a éste poco le importa, porque en el tacho de basura donde vive, queda justo debajo del teléfono y se prende como una zanguijuela). Es el encargado del Distrito 13 de Manhattan (donde para la pandilla), y su voz es inconfundible! Es el personaje humano de la serie.

Benito: Es el mejor amigo de Don Gato, adora los sandwiches de pastrami y los huevos duros. Además de ser un buen hijo, toca muy bien la armónica. Su frase de marca registrada es "Hola Don Gato".

La canción de la serie decía:

Top Cat

The most effec-tu-al Top Cat

Who's intellectual close friends get to call him "T. C."

Providing it's with dignity

Top Cat The indisputable leader of the gang

He's the boss

He's the VIP

He's a championship

He's the most tip top - Top Cat

Yes he's the chief

He's the king, but above everything

He's the most tip top - Top Cat!

Demóstenes:

Nota a Silvio Rodriguez

El premio de la Academia de Música es a la obra de toda una vida de un autor de lengua española. Pero cumplirás próximamente 60 años en un país donde la longevidad, además de ser un fenómeno extendido, tiene muchos ejemplos de personas que con edades entre los 70 y 80 años permanecen activos en la política, la ciencia y la creatividad artística. Ello permite considerar la posibilidad de que te quedan más de una decena de años para crear nuevas canciones,¿ por lo que quizás van a tener que repetirte este premio?

Antes que nada quiero decir que agradezco profundamente este premio, lleno de significaciones. Yo llegué a Madrid por primera vez en 1977, luego de pasarme un año en la guerra de Angola. Me ayudó mucho el contacto con aquella España reverdeciente, renacida, que acogió a la trova cubana y revolucionaria con un júbilo desbordado. Recuerdo a Carlos Puebla reventando teatros con sus tradicionales tocadores de marímbulas, y latas de betún. Los más jóvenes cantábamos admirados de aquel público generoso, que hacía un silencio impresionante para no perderse ni un suspiro de cada canción. Recuerdo un titular de una envergadura que nunca antes ni después he visto: “Silvio es mejor que Dylan”. Por poco me desintegra aquel amor exagerado.
Desde entonces he regresado a España todos los años, a veces más de una vez, en ocasiones sólo de paso, por lo que he podido ser testigo de la evolución que ha tenido el país.
Puedo afirmar que en todo este tiempo de relación sólo una vez se nos quedó desvestida una sala ?en realidad fueron dos veces, porque eran dos conciertos en un día?. Pero salvo aquella insólita experiencia en 1978, siempre he sentido que el público español me considera e incluso que me quiere. Todo esto es para decirte que, premios, España me ha dado muchos, de la misma forma que creo haberle entregado un trabajo honesto. Lo especial de esta recompensa consiste en que por primera vez una institución del estado español me toma en cuenta. Y vaya forma espléndida de hacerlo.
Respecto a tu pregunta, te confieso que me encantaría poder estar a la altura de los que consiguen mantenerse activos y aportando, aunque la verdad es que nunca he sido muy candelero. Esto de un premio “a la obra de toda una vida” es cierto que da ganas de componer muchas buenas canciones, para decir sin palabras y sin que nadie se ofenda: “¿Han visto cuánto me quedaba por hacer?”
De “Cita con Ángeles” dijiste que eran canciones más bien reflexivas sobre el inquietante y aterrador escenario internacional de hoy en día. Algo que creo muy válido. Pero ¿no crees necesario también que Silvio Rodríguez deje constancia de canciones reflexivas sobre la actual realidad cubana? .

Sobre la actualidad cubana dejé sólo una canción en “Cita con ángeles”, la llamada “Alabanzas”, que comienza con una cuarteta dedicada a los balseros. Hubo dos autoreflexivas que saqué, porque quise concentrar la primera “Cita” en la llamada “política de guerra preventiva”, engendro imperial que ha retorcido la suerte del mundo entero. Pero dentro de un tiempo ya verás como llega la segunda “Cita”, asistida por nuestros ángeles locales.

En las conversaciones con otros te distingues por un excelente uso de la ironía ¿Alguna vez has hecho algún balance sobre el uso de la ironía en tu obra discográfica?

No creo que me de mucha cuenta de eso de la ironía, pero he oído decir que el guajiro se hace el muerto para ver el entierro que le hacen, y hay que tomar en cuenta que yo soy del campo… De todas formas te confieso que aún no he hecho un balance de las ironías en mis discos.

Tu generación tiene la singularidad de que estrenó su adolescencia en los años de la infancia de la revolución cubana. ¿Desde tu memoria pudieras dibujarme un retrato de esa generación?

Creo que la mía fue una generación que tuvo que crecer a toda prisa, porque la infancia de la Revolución que yo conocí fue una convulsión social muy fuerte, una realidad muy exigente, muy necesitada, que a veces no daba tiempo para un desarrollo sosegado, ideal. O sea que algunos tuvimos que quemar etapas y cuando dejamos atrás la adolescencia ya éramos un poco ancianos en algunos sentidos. Es probable que por eso hayamos parecido demasiado serios, crítica que algunos más jóvenes nos hacen ?sin duda con alguna razón, aunque nuestros mayores nos acusaban de todo lo contrario?. Sin embargo yo creo que en gran medida nosotros nos creímos la lucha y la historia de nuestros padres de principio a fin y que la asumimos como una continuidad natural, pensando que la existencia consistía precisamente en eso, en un devenir de compromisos. Podría decirse que la mía fue una generación inicialmente inspirada, que acabó siendo diversa y contradictoria, como muchas otras.

Hay muchas versiones para describir el ser cubano. ¿Cuál es la tuya?

Para mi la mejor sigue siendo la de Don Fernando Ortiz, aquella de que el cubano es un ajiaco. En años recientes, hasta donde sé, me parece que hay aportes a ese tema ancestral en la novela “El Vuelo del Gato”, de Abel Prieto, y en el ensayo “Por los caminos de la mar”, de Guillermo Rodríguez Rivera. Por mi parte desde hace tiempo sé que cualquiera pudiera parecer más cubano que yo. En mis primeros viajes al exterior de Cuba aprendí eso, con no poco fastidio, sobre todo cuando se trataba de países del Caribe. Nos invitaban a fiestas y agasajos, y me daba cuenta de que nuestros anfitriones esperaban otra actitud de mi. Se desconcertaban cuando veían que yo no era muy pachanguero ni se me subía el santo cuando sonaba una rumba. Es que hay más de un tipo de cubano, pero el alborotao fue el listillo que inscribió el copyright.

Prometiste no hace mucho la edición del disco “Erase” con temas inéditos creados entre 1968 y 1970 ¿Qué hay sobre ese proyecto?

“Érase que se era” está prácticamente terminado. Lo he dejado reposar un poco porque, cuando pongo distancia de por medio, le descubro basuritas que me gusta ir limpiando poco a poco. Yo creo que saldrá antes del verano.
En la música cubana desde siempre ha existido una corriente de coqueteo con el erotismo, En tú extensa discografía, que recuerde, sólo existe una pieza “Desnuda y con sombrilla” –incluida en la trilogía “Silvio”, “Rodríguez” y “Domínguez” – que aborda el tema erótico. ¿A qué se debe esa ausencia?

Esta inquietud tuya me hace recordar una canción de mis comienzos, titulada “No vayas a cerrar los ojos cuando hagamos el amor”, que para su momento resultaba un poco escandalosa y después olvidé y se quedó sin disco. No sabría decir por qué tengo pocas canciones eróticas de principio a fin, porque por otra parte me parece que hay unas cuantas donde el erotismo se asoma como una sombra que luego se disuelve. Por ejemplo, en “Hoy mi deber”, o en “Tu Fantasma”, en que lo erótico salpica aquí o allá, sin llegar a convertirse en protagonista. Por cierto, “Ando como hormiguita” me parece bastante explícita. Aunque para canciones eróticas prefiero las de Aute.

En la televisión – también en otros medios- casi cada día hay una publicidad política dedicada a acentuar el hecho de que los cubanos tenemos una larga tradición guerrera. En tu obra musical hay también bastantes canciones épicas. Sin embargo, los conflictos bélicos o de violencia armada en la historia nacional desde el inicio en 1868 de la primera guerra de independencia hasta el año 1959 – triunfo de la revolución – no llegan a sumar 20 años. ¿No crees tú de que sea hora de expandir un debate público, tanto desde los medios como desde la creación artística, sobre la hechura de la cubanidad sin olor a pólvora?

Eso me hace recordar que cuando hice “Sueño de una noche de verano”, que es una canción a todas luces antibélica, la usaron para un clip dedicado a la defensa. La primera impresión que tuve fue funesta, porque sentí que se estaba desvirtuando mi propósito. Pero resultó que por aquellos mismos días hubo una agresión horrenda a unos jóvenes guardafronteras, los que primeramente fueron maniatados y después asesinados. Aquel hecho conmocionó a la sociedad y además se encargó de recordarme por qué en Cuba no se puede bajar la guardia.
Por otra parte creo que esa totalidad de 20 años de combates ?que a ti te parecen escasos para representar a toda nuestra historia?, son la punta de un de iceberg colosal que reúne esperanzas, frustraciones y luchas que fueron haciendo posible nuestra independencia y nuestra nación. A mi me ha servido de inspiración saber que los más grandes intelectuales de la historia de Cuba tuvieron mucho que ver con el proceso de emancipación nacional. Así que no veo mal ese debate público que propones ?creo que estás en el derecho de hacerlo y defiendo tu derecho?, aunque a mi me parece que todavía tenemos razones muy palpables para no bajar la guardia y tener presente lo que nos ha costado ser soberanos.

A pesar de la amplia difusión internacional de tu obra sigues editando con sellos independientes por lo que está fuera del mercado de las grandes corporaciones disqueras. ¿Eso responde a una decisión propia o a un bloqueo por tu condición de cantautor cubano revolucionario?

Las grandes corporaciones disqueras no han tenido mucho interés en difundirme y cuando han mostrado alguno ha sido con condiciones que me han parecido inaceptables. “La amplia difusión internacional” que tu dices se debe más a los pueblos que a las disqueras. Supongo que alguien alguna vez hará un estudio sobre lo sucedido con mi música y la de otros. Músicas que han sido reproducidas casi artesanalmente y trasmitidas no sólo de país en país sino también de una generación a otra. Yo mismo no logro abarcarlo totalmente y me parece una suerte de milagro, testimonio de una voluntad colectiva en la que la identificación con la canción suple lo que en otros casos hace el marketing.
Está visto que los pueblos no bloquean, pero los gobiernos y las instituciones sí, a veces incluso las culturales. Me trague la tierra si alguna vez me he creído representante de Cuba o de la Revolución, pero el hecho de que coincida en posiciones fundamentales, para los simplificadores, me convierte automáticamente en cantor oficial. Y vaya si no me han pasado cuentas también por eso.

Siendo Cuba, como es, una verdadera potencia musical, podría decirse que carecemos de una distribución disquera mínimamente sensata. Así que puedo garantizarte que no he sido correctamente difundido ni en mi propio país, aunque ese lamentable privilegio lo comparto con muchos otros músicos cubanos.
España, al parecer, ha pasado a ser una especie de país trampolín para la difusión internacional principalmente de la música, la literatura y el cine cubano. ¿A qué crees se debe ese fenómeno?

Es un papel histórico que le ha tocado a España, tienes razón. Regresamos a ella y ella contribuye a proyectarnos, amplificando el espectro receptor. Aunque en mis años mozos ese papel era menos conciente que hoy, además que mucho más rudimentario, porque por entonces España no contaba con la desarrollada industria del espectáculo que hoy tiene. La multiplicación de los festivales de cine, el fenómeno editorial español, los premios Goya, la creación de la Academia de la Música, la presencia de España en eventos como los Granmy y los Oscares (sitios donde no dan cabida a los que vivimos en la isla). Nada de eso existía en las proporciones actuales a fines de los 70, cuando llegó mi generación de trovadores a la península. Y por supuesto que me parece muy bien que exista ese desarrollo y que todo eso sirva de apoyo a los artistas Latinoamericanos también. Creo que incluso es un deber de España, deber que España asume gustosamente, entre otras cosas por ser una forma de ejercer su condición de Madre Patria.

El presidente Fidel Castro, el pasado 17 de noviembre en la Universidad de La Habana, anunció por vez primera la posibilidad de que la revolución puede ser reversible, de que los cubanos, desde adentro, pueden auto destruirla. Como tienes prestigio de observador agudo quería preguntarte si desecharías del todo un futuro escenario del efecto Fuenteovejuna, o sea, algo así como, ¿quién derrocó a la revolución? ¡Todos a una, Fuenteovejuna señor!

A mi me parece que aunque Fidel haya hecho la observación ese día, no quiere decir que la posibilidad de autodestrucción de la Revolución sea reciente. A mi juicio Fidel siempre ha sabido eso, aunque en su caso probablemente confiaba en su experiencia dirigente y en la de sus compañeros para impedirlo. Yo creo que Fidel lanza esa idea para dar una motivación a los que van a dirigir cuando el no esté. Pudiera ser, incluso, una forma de articular el mecanismo de la supervivencia: antes que nada aprender a cuidarse de uno mismo.
En el caso de una revolución, de un sistema, de todo un país, los errores pueden multiplicarse extensa y variadamente. En el caso de una cultura tan rica como la cubana, un error crucial pudiera tener matices inimaginables. Las revoluciones, tratando de dar relieve a lo mejor de los seres humanos, reprimen las características menos buenas de los hombres. La inteligencia lleva muchos años dándose cuenta y llamando la atención sobre lo mismo. Pero el conflicto sigue siendo si somos capaces de dar un salto cualitativo por sobre nuestras miserias. Quizá esa vieja y difícil cuestión fuera el polvo que flotaba en la sala de la Universidad, aquella tarde.

Versión íntegra de la entrevista reproducida con cortes, tal vez por problemas de espacio, en el Mundo el 6 de Abril de 2006

¡Che, Vassallo! Nota del diario El Mundo

Es poco frecuente el compromiso político entre los deportistas. Dejando al margen las proclamas fidelistas de Maradona y alguna elástica de Henry alusiva al Che Guevara, apelaciones algo huecas, con aire propagandístico, los deportistas de elite, mejor pagados que nunca, rara vez se involucran en asuntos ajenos a sus propios intereses.
Hay, eso sí, actitudes altruistas, fundaciones, movidas benéficas, siempre convenientemente publicitadas, muy favorecedoras para la imagen del benefactor, pero son pocos quienes se deciden a agitar las conciencias, a intervenir como ciudadanos en la realidad social.
Hubo un gesto lindo del futbolista Robbie Fowler hace ya varios años, cuando lideró el apoyo a una huelga de estibadores, iniciativa de difícil traslación en el fútbol español. ¿Imaginan a Raúl o a Fernando Torres respaldando en su momento a la gente de Sintel, por poner un ejemplo? Los tenistas, en particular, viven en su burbuja, ajenos a todo y desconocedores de lo que sucede fuera de un entorno tan irreal como el suyo. Rara vez se meten la mano en el bolsillo, ni siquiera para pagar un café. Viajan por el mundo como si no hubieran salido de casa, sin apenas interés por el lugar dónde se encuentran.
El tiempo libre se lo dedican a la playstation o a los juegos de cartas, pasatiempo éste muy común en los viajes. No les pregunten por cualquier circunstancia que escape a lo rigurosamente relacionado con su profesión. Tiempo tienen, y mucho.
Hay muchas horas detrás de los partidos, los entrenamientos, la atención a los medios y las obligaciones publicitarias.
Martín Vassallo Argüello ha roto el molde con un guiño político mucho más que anecdótico.
Su 'Hasta la victoria siempre', HLVS, escrito en una cámara tras vencer a Grosjean, encontró un desarrollo posterior en la rueda de prensa ofrecida tras el partido con Sluiter y en la breve conversación mantenida después con este periodista, impelido por un presunto pope de la radiotelevisión a dejar de hablar con un hombre al que sólo le une el mismo pasaporte; desde luego, no la elegancia, ni la juventud ni el buen gusto ni el carácter, ni, sospecho, cualquier inquietud intelectual que escape del dudoso culto a la gastronomía, esa patraña que nos quieren vender una legión cada vez mayor de vividores sin escrúpulos.
Argüello viene de una familia combativa en un país donde siempre hubo mucho que combatir, se implica, tal vez porque no tuvo la vida sencilla de los tenistas sobrados de clase, defiende el nuevo orden que va prendiendo en Latinoamérica, y lo hace sin circunloquios ni medias tintas. Se informa de aquellos países a los que le toca viajar, lee, piensa, y, como consecuencia, presenta el mejor verbo de todos los tenistas de la actualidad. Es un tipo visceral y beligerante dentro de la pista, y más aún fuera de ella.
Después de unos cuantos años en este desempeño, uno rara vez ha tenido oportunidad de encontrarse con deportistas que aspiren a una integridad como personas, a la realización intelectual, cuyo discurso escape los latiguillos y los lugares comunes, capaces de conversar, de sentir, de escapar de esa urna de cristal en la que se sienten tan protegidos, a salvo.
Lamentablemente, el ejemplo difícilmente prenderá entre sus colegas. Ni siquiera los periodistas parecían muy interesados en aprovechar la oportunidad que se les brindaba. Buena parte de las preguntas eran las mismas de siempre. ¿Qué sentiste tras el último punto? ¿En quién pensaste? También a nosotros nos cabe una cuota de culpa. ¿Y la familia? Bien, gracias.

Crónica de una fuga (gracias Fede y Aldair por la recomendación)

Durante el horror de la última dictadura militar en Argentina, entre todas las personas que fueron secuestradas, encarceladas y torturadas por las Fuerzas Armadas hubo quienes lograron sobrevivir. Entre ellos, algunos –muy pocos– consiguieron burlar a sus captores y escapar.
Crónica de una fuga narra la historia de cuatro de esas personas: Guillermo Fernández, Carlos García, Daniel Russomano y Claudio Tamburrini. Este último, por entonces arquero de Almagro y más tarde filósofo radicado en Suecia, escribió “Pase libre”, una novela que relata sus 120 días de prisión en la Mansión Seré, también conocida como Atila, por entonces uno de los centros de detención de la Fuerza Aérea.
Caetano hace hincapié en las causas de su captura: uno de los presos políticos lo señaló falsamente como perteneciente a un partido revolucionario para cubrir a sus compañeros aún libres y para suavizar su tortura.
Es precisamente aquí, en torno a la figura del protagonista, donde radica la originalidad del film: Claudio representa una víctima del poder político, no sólo de la derecha, sino también de la izquierda.
La innovación es hacer un film sentimental sin tomar partido por ninguno de los dos bandos, ubicando al espectador en una mirada crítica frente al proceso, pero negando una toma de posición partidista. La idea es denunciar el proceder usual de la política, en cualquiera de sus manifestaciones ideológicas.
Esta peli es un clásico producto de suspenso, más cercano a las series televisivas “Tumberos” (dirigida por él mismo) y “Okupas” (de Bruno Stagnaro, con la que comparte la dupla actoral Rodrigo de la Serna-Diego Alonso) que a otros trabajos de Caetano y a otros films sobre la dictadura.
El director de Bolivia y Un oso rojo conserva la exactitud para los diálogos y la habilidad para hacer presente la violencia con sólo mostrarnos su inminencia; los momentos más crudos –narrados desde el fuera de campo, con un cuidadoso trabajo de sonido– logran el impacto buscado.
Al avanzar la película, el protagonismo inicial de Tamburrini se reparte con el de Fernández. La utilización de la cámara, colocada la mayor parte del tiempo casi a ras del suelo –como los cautivos, que permanecían agachados, o acostados en camastros– provoca que el espectador comparta el punto de vista y logre la empatía necesaria como para acompañarlos en esta fuga que –lo sabemos de antemano– se producirá más temprano que tarde.
Era necesario que transcurriese una determinada cantidad de tiempo para que el cine pudiera tomar esta historia, demasiado increíble como para no ser material cinematográfico, demasiado atrapante como para no convertirse en un thriller.
En otro momento, tal vez, una película del estilo de Crónica... hubiese levantado voces ofendidas, en nombre de aquellos que no tuvieron la misma oportunidad (¿podemos llamarla suerte?) de los protagonistas. En cualquier caso, Crónica de una fuga no carece de valor testimonial, y esto a pesar de que algunos detalles fueron expresamente modificados para el traspaso al cine: al concentrar el conflicto en una sola habitación, la mirada sobre el tema se vuelve general y la película logra captar el pulso de aquello que sucedía en ese momento a nivel cotidiano.
Entre los actores destaca Rodrigo de la Serna, pero sorprende la madurez de Nazareno Casero como Guillermo Fernández (el verdadero Fernández participa también, en un pequeño rol). En cambio, no parece feliz la elección (ni el registro) de Pablo Echarri, convertido en “Huguito”, el jefe de los torturadores: con su tapado de cuero y bigotes negro brillante, está más cerca del cómic que del naturalismo que respira el resto de las actuaciones.

Del recital de Sabina en Córdoba...

Poco después de iniciado el concierto en el estadio Orfeo, luego de cantar tres temas, Joaquín Sabina se tomó un minuto para responder a una columna firmada por Beatriz Molinari y publicada en la sección Espectáculos de La Voz del Interior, en la edición del jueves pasado. En ese texto, titulado “Cómo ser una leyenda”, se cuestionaba el hábito de los periodistas argentinos de preguntarles a los artistas extranjeros sobre temas candentes de la Argentina. Sabina explicó que como no brindó una conferencia de prensa en Córdoba, eligió el escenario para responder públicamente.
Las palabras que dijo fueron las siguientes: “Leí una cosa que me sorprendió que escribió Beatriz Molinari en la sección C de Espectáculos de La Voz del Interior. Se quejaba, creo que con bastante razón, de que a los cantantes se nos pregunte de cosas políticas en otros países que no son el nuestro. Con toda razón... Pero a ella le digo que debería creer en la libertad de expresión también para los artistas.
“Allí dice: ‘El procedimiento no pasaría de la frontera del show business si también se hablara, por caso, de Melilla, de las monarquías europeas, de las leyes de extranjería y de tanta canción triste que enluta el corazón’. Mire usted señorita: Melilla y Ceuta deberían ser marroquíes, Gibraltar debería ser español, y las Malvinas deberían ser argentinas... Y las monarquías son una cosa absolutamente anacrónica y antirrepublicana. Y sobre las leyes de extranjería, pienso que no deberían existir en ningún lugar del planeta... Pero si yo a los argentinos los trato como hermanos míos, no me tratéis a mí como a un extranjero”.

Es lo que hay... Discazo de Esteban Morgado

Si la música es el arte de combinar los sonidos en Es lo que hay Esteban Morgado y su cuarteto han conseguido la sana convivencia de muchos de ellos, como símbolos de vivencias y recuerdos...
En esta nueva placa coexisten la vitalidad de temas como el que le da nombre y lo cotidiano de En tu adiós y Niebla de riachuelo, sin olvidar el dolor sollozante de Ballenas y pirámides o la bohemia de Quejas de Bandoneón.
Pero en este trabajo discográfico, el ganador de dos premios Gardel también ha dado lugar a clásicos como Por una cabeza y la exquisita versión de El día que me quieras, como corolario de su cuarto trabajo donde además, reservó un lugar para la política en Ronda de las madres. “Dedicado a las Madres y Abuelas de Plaza de Mayo”, según explica el propio autor en los créditos.
En esta producción Morgado, acompañado por Walter Castro en bandoneón, Quique Condomí en violín y Horacio Hurtado en contrabajo, vuelve a apostar por la melodía, sin caer en golpes bajos. Entonces el nombre funciona como recurso, una forma más para designar la realidad que, tal como asegura su autor es “pasión, lucha, memoria, amigos, amores, tango, noche, historia, vida y esperanza”.
Otra virtud de Es lo que hay está en la percusión, donde se lucen Alejandro Oliva, Jorge Aire y Daniel Corrado. El arte respeta los tonos azules, negro y blanco, y expone un potpurrí de imágenes que van desde clásicos como el retrato del obelisco hasta aquellas que refieren a movilizaciones sociales y protestas.
Porque este disco es un poco de todo eso; algo de alegría, algo de tristeza, partes de bohemia y toques de buen gusto: un mix bien realista que da forma y contexto a la nueva placa de Esteban Morgado, que hoy más que nunca Es lo que hay.

El exorcismo de Emily Rose (última película que ví)... Ocupaos de su salvación, con temor y temblor

Bueno, no les voy a hacer un comentario, sino que les voy a dejar datos para aquellos que vieron la peli:


ALGUNOS HECHOS DE ESTA PELÍCULA...
Nombre
Real: Anneliese Michel
Película: Emily Rose
Edad al morir
Real: 23 años
Película: 18 años

Lugar de los hechos
Real: Alemania
Película: Estados Unidos
Implicados
Real: los sacerdotes Ernst Alt y Arnold Renz fueron acusados de homicidio por negligencia
Película: solo un sacerdote, llamado el padre Moore es inculpado por el hecho
Asistentes al exorcismo
Real: dos sacerdotes y el padre de la víctima
Película. El padre Richard Moore, el novio y el padre de Emily, y un cuarto hombre que resulta ser un médico.

La presencia del doctor en el hecho real es falsa, ya que dos años después de la muerte de Anneliese se incorporó en el Ritual Romano de 1614 (libro de la Iglesia que legisla sobre exorcismos) que jamás se podrá llevar a cabo uno sin la presencia de un especialista médico.

Procedimiento para el exorcismo
Real: El proceso pasó por las manos de varios estamentos católicos y fue aprobado por el padre Adolf Rodewyk, un jesuita de 81 años, experto en la materia. Años después se cuestionaría por su apresurada apreciación y reiteraría que el caso de Annaliese no tuve que ver con una posesión demoníaca.
Película: pareciera que el padre Moore actúa por su cuenta a petición de la familia Rose, cosa imposible para un jerarca de la iglesia católica.

Acusados por la muerte de Emily
Real: junto a los dos sacerdotes fueron enjuiciados sus padres por haber abandonado a la víctima a su suerte sin prestarle ayuda médica. El juicio ocurrió en marzo de 1987
Película: solo va a juicio el padre Richard Moore.

Los estigmas
Real: Anneliese no estaba estigmatizada (con las llagas que sufrió Jesús en la cruz en las muñecas, pies y costado)
Película: después de un encuentro con la Virgen, a través de un sueño, aparecen los estigmas en las palmas de las manos.

El diagnóstico
Real: Anneliese llevaba cuatro años medicada contra la epilepsia
Película: hacen referencia al tema, pero no hacen explícito que ella ya tuviera el mal.

Coincidencias
Los sacerdotes fueron condenados a seis meses de prisión
o Anneliese Michel fue sometida a más de dos exorcismos por semana durante casi un año y finalmente murió el 30 de junio de 1976. La película es fiel a este dato.

Efectos demoníacos
Según testimonios reales, Anneliese Michel fue sometida a 67 rituales de exorcismo en un año. Unos 40 fueron grabados en audio. En algunos casetes las voces se identifican como Nerón, Caín y Hitler e insultan a la iglesia católica.
“La humanidad es tan estúpida como los cerdos”, dicen.
Bajo los efectos de la supuesta posesión, Michel se rasgó la ropa en repetidas ocasiones, agredió a mordiscos a otras personas, ladró como un perro por varios días, comió arañas y de sus propios excrementos, y alucinó con rostros de demonios en las caras de las personas. Además, oía voces que la invitaban a automutilarse.
Pero pese a la agresividad y el horror de sus comportamientos, el deceso de Anneliese fue ocasionado por desnutrición y deshidratación, ya que al momento de morir su peso no superaba los 32 kilos.


Laura Linney (interesante verla después de “Kinsey”) se encarga de interpretar a su abogada, mientras que al sacerdote le da vida Tom Wilkinson.
Naturalmente, durante el transcurso del juicio, unos flashbacks oportunos nos muestran las imágenes más impactantes según se van narrando los hechos.
Buen momento para ver la pelicula solo en la noche, en la casa y si es posible a las 3:00 am.

Jaime... un personaje de los bares

>-¿En qué momento te das cuenta de que una canción está lista para ser parte de ese seleccionado que forma un disco?
Hay como un signo que te lo dice. El tema es cuando lo vas a grabar y que esa versión tuya no arruine el brillo de una composición.
Cuando terminás una canción está todo sonando muy lindo en la cabeza, pero que quede así en la realidad, eso es lo difícil. Cuando escribí "Brindis por Pierrot" necesité 22 meses, casi dos años y siempre le estaba faltando algo.
Pero cuando ya estaba bien, sabía que tenía algo fuerte. Me daba cuenta de que estaba escribiendo una canción buena y en el mes número 22 cerré la cortina. La grabé enseguida, me quemaba las manos.

-Era la época en que habías asimilado toda una cultura del mostrador.>

-Es cierto, fue una época de boliches. Justo ayer me recordaba un amigo que por esa época yo tenía una campera negra de cuero que me la tuve que sacar porque se caía a pedazos. Ahí me di cuenta de que el codo del brazo derecho estaba totalmente gastado, casi transparente. Como soy zurdo, el vaso lo levanto con la izquierda y el codo que apoyaba en el mostrador era el de la derecha. Así que imaginate todo lo que anduve.
Fue todo un período a mediados de los ochenta después de haber vivido mi vida de boliche en Europa, donde conocí el mundo de los bares y los cabarets, menos en Uruguay. Así que cuando volví tenía esa deuda, porque cuando me había ido de mi país tenía 25 años y no tomaba ni vino.

- Esas vivencias en los bares te dieron materia prima por muchos años .

-Es verdad. Me atraía, y de vez en cuando me vuelvo a arrimar al mostrador. Es algo que no se pierde, como andar en bicicleta, nunca se olvida. Pero hace tiempo me alejé a nivel cotidiano de aquello.
Sin embargo, en ese momento yo venía escribiendo en los mostradores de Amsterdam o de París. En el fondo se discute de lo mismo en todos lados: la angustia, la soledad, la muerte, el amor y las euforias. Por otro lado, después de estar diez años de Europa, volver a Montevideo fue un reencuentro con la tradición de la murga, el fútbol, el mostrador, la noche y la bohemia. Todo eso me dio muchas canciones y de esa época es "Brindis por Pierrot" que es el himno al mostrador.>

Personajes que nunca vamos a olvidar...

MICROMAN

y su perro Yukk...

Este comic fue un segmento de la serie "Las aventuras del Hombre Plástico (Plastic Man)".Brandon es un millonario quien con su increible perro Yukk, se dedican a combatir el mal. Utilizando sus super poderes de hacerce pequeño y la horrible cara de su compañero Yukk, hacen justicia en el mundo.
Yukk, quien siempre tenia una casa de perro en su cabeza, horrorizaba a las personas, hasta llegar al punto de desmayarlos de la impresión.
En realidad al turro de Microman lo salvaba siempre el perro mostrando la carucha el quia.

Carrera de autos locos (Wacky Races 1968)
¡"Y allá van de nuevo...!" Con estas palabras comienza una carrera muy especial, una competición en la que la única regla es llegar a la meta antes que los demás. Once coches de diseño espectacular y otros tantos pilotos dispuestos a usar los trucos más ingeniosos son los protagonistas de "Los Autos Locos".
Hoy, más de 30 años después de su estreno, mantiene la misma frescura y el mismo atractivo en cada una de sus increíbles carreras. El argumento es sencillo: once pilotos, a bordo de unos vehículos tan estrafalarios como sus propios conductores, recorren todo Estados Unidos participando en distintas etapas.
Como ocurría en películas como "Los Locos de Cannonball" o "Los caraduras", el único objetivo es llegar el primero a la meta, pase lo que pase. La estrella absoluta de la serie es Pierre Nodoyuna, un francés que podría ser un excelente piloto si no perdiera el tiempo preparando las trampas más extrañas y originales. Para él, una victoria limpia no sería una auténtica victoria. El malvado Pierre Nodoyuna (Dick Dastardly) y su fiel can Patán (Muttley), que corrían en el coche 00, se dedicaban a sabotear a sus rivales en vez de correr al igual que los demás participantes.
Así fue como a lo largo de tres años no logró ganar ni una sola vez. Su bigote fino y largo, su joroba prominente y ese gorro pasado de moda eran una caricatura arquetípica del villano de las películas mudas.
Pierre tuvo su propia serie en la cual se dedicó a perseguir a un palomo mensajero, junto a Patán, pero eso, como diría Kipling, es otra historia...
Los Hermanos Macana (the Slag Brothers): muy parecidos (quizás fueran parientes cercanos) al Capitán Cavernícola, estos hermanos conducían un coche bastante retrasado en tecnología pero al que la tracción a sangre liberaba del peligro de sufrir retrasos a causa de problemas en el motor, desperfectos en los frenos o simple carencia de gasolina.
El Espantomóvil (the Creepy Coupe) fue una especie de casa rodante que se asemejaba a algún altillo de película terrorífica como el de "Psicosis" (Psycho).
Sus conductores eran Big Gruesome y Little Gruesome, dos extraños freaks que tenían un inquilino, un dragón, que usualmente escupía algo de fuego a corredores que se acercaban mucho al Espantomóvil.

El Profesor Locovich (Prof. Pat Pending): poco se revela a lo largo de la serie de este personaje. Aparentemente es un viejo bonachón que no hace daño a nadie y que se dedica a superar a sus adversarios mediante las nuevas prestaciones de su auto convertible (the Convert-A-Car), a la que podemos definir como una cruza entre avión, automóvil y lancha.
El Barón Humprisch (The Red Max) era fanático de los biplanos y su automóvil, el Stukarracuda (The Crimson Haybailer) es una especie de réplica del célebre biplano del Barón Rojo, el as de la caza aérea de la I Guerra Mundial.
A pesar de ser el único auto dotado de un arma de guerra (una ametralladora reglamentaria), el buen Barón solamente la utiliza para remover eventuales obstáculos.
Penélope Glamour (Penelope Pitstop) fue la única piloto femenina (una adelantada) y fue también objeto de alguna cortesía rayana en la galantería por parte de Pedro Bello.
Penélope fue personaje central en una de las dos series a las que Los Autos Locos dio lugar: Los Peligros de Penélope Glamour, inspirada en "The Perils of Pauline" una serie de la época del cine. Curiosamente el uniforme de Penélope se asemeja al de Pierre Nodoyuna, otro personaje calcado del cine mudo.
Matthew y sus Pandilleros (Clyde and the Ant Hill Mob) fue una pandilla de siete hombres de estatura más bien pequeña (por no decir enanos) que corrían en la Antigualla (the Bullet Proof Bomb) un auto de los años '20. A pesar de ser bandidos y pandilleros, en las carreras optan por tratar de superar los escollos de cada competencia de manera mancomunada y ordenada (aunque usualmente la ineptitud de todos es tan evidente que los aleja demasiado del éxito). Aún así tuvieron éxito y pasaron a la serie de Penelope Glamour apareciendo para auxiliar a la heroína en momentos difícil. La inspiración es obvia a Blancanieves y los Siete Enanos, aunque estos gangsters de Chicago han llegado a ser más toscos e idiotas que aquellos enanos.
El tímido soldado Meekly y el dictatorial Sargento (conocido como Sarge) han encarnado la presencia del ejército en las carreras y también una relación de dominación muy particular y digna de un estudio psicológico. Estos personajes no fueron nunca muy explotados y su vehículo eran un mezcla de semioruga con aplanadora con tanque de guerra.
A diferencia del Barón (que tenía una arma de guerra en su vehículo) el Army Surplus Special era en si mismo un arma de guerra.Uno de los vehículos más curiosos por su simpleza y precariedad fue el Alambique Veloz (Arkansas Chuck-a-Bug). Era conducido por Luke (un tipo virtuoso que podía manejar con los pies mientras fumaba una pipa y dormía) y tenía como copiloto a un oso bastante miedoso (junto con Patán y el castor del Troncomóvil fueron los únicos animales que competían en las carreras, si es que consideramos a los Macana como seres humanos).
Pedro Bello representó a una de las pocas personas totalmente normales que corrían en la carrera (aunque su prominente mandíbula fuera tan grande como su ego). Su automóvil también era bastante cercano a lo que sería un auto de carreras (más precisamente un dragster) y su caballerosidad y galantería muchas veces le llevaron a perder carreras en pos de sus convicciones.
El Troncomóvil (the Buzzwagon) era un extraño vehículo construído de madera que tenía ruedas dentadas y una precariedad similar al Alambique Veloz.
Sus conductores eran Ruffus Ruffcut y un castor llamado Sawtooth. Al igual que Locovich y otros, estos personajes permanecieron poco divulgadas.

Es de notar las varias referencias a la época del cine mudo y de los años '20 que guardan estos personajes, desde el aspecto de Pierre y Penelope hasta el aspecto del auto-avión del Barón, del Espantomóvil y de la Antigualla de los Pandilleros.
Esta pintoresca calidad inusual para un dibujo animado convirtió a esta serie emitida hasta septiembre de 1970 en una de las más recordadas por el público.
Hanna y Barbera han producido una terrible cantidad de series (tantas como para un sitio completo), de las cuales este artículo no pretendió enumerar las mejores ni siquiera las más célebres, sino las dos más interesantes por sus aspectos inusuales en un dibujo animado.

VERANO AZUL (Que banda de sonido!!!)

La mítica producción de TVE, “Verano azul”, dirigida por Antonio Mercero. Estrenada en 1981, narra las aventuras de unos jóvenes de edades y condiciones varias, que forman una pandilla al iniciar su amistad durante las vacaciones de verano, en el pueblo de Nerja (Málaga) con los problemas típicos de la adolescencia. Chanquete, Tito, Bea, Javi, Pancho, Piraña, Quique, Desi y Julia son los inolvidables nombres de los personajes de esta serie, que fue rodada en escenarios naturales.

Links que valen la pena

http://www.pcworld.com/resource/printable/article/0,aid,123950,00.asp

(Para fanáticos, nostalgiosos, curiosos, etc. Según la revista PC World, los 50 aparatos electrónicos más innovadores de los últimos 50 años. Con fotitos y links).


http://www.cinemafutura.com/curso/

(Web española con distintos artículos sobre cuestiones audiovisuales. No es para reemplazar una cursada en la Escuela de Cine, sino para leer en los ratos libres, fabricarse algún aparato para mover la cámara y reírse de las recomendaciones gallegas para hacer Cine de Guerrilla).


http://www.losguionistas.com.ar/



(Para intercambiar ideas sobre la especialidad, publicar noticias, acceder a apuntes.... )



http://blueballfixed.ytmnd.com/

(La fábrica de bolitas azules)


http://www.angryalien.com/ (Muuuuuuuuy buena!!!)

(Un lindo link con largometrajes reducidos a 30 segundos)



http://www.patmedia.net/marklevinson/cool/cool_illusion.html (Ilusión óptica)

Solo tus canciones me parece escuchar...

Cuantas veces, en el auto de un amigo o pariente, en la sala de espera de un consultorio, en una pileta sonando al palo en un parlante, en el super de fondo, en el i-pod del que viaja junto a nosotros en el bondi, etc... escuchamos una canción re pedorra, obsoleta, que nos canso hasta el hartazgo, reiterada en nuestra mente, monótona, que tiene cero onda...
Salgamos de lo común, pleasse, no me mencionen Arjona, Sanz, Fey, Thalia, Montaner, Shakira, ni toda esa música que pasa Laura Uffal.
Acá se trata de eliminar, teóricamente, las canciones que ya fueron.
Va un ejemplo: Mi caramelo (de Bersuit), por dios Bastaaaaaaaa!!!!!!!!!!!!!!!!
Ese sería el puesto número 1.
Puesto número dos: lamento boliviano (Enanitos verdes)
3) Bikini amarillo (The sacados)
4) Seminare (Serú Girán)
5) La bestia pop (Los redondos)
6) La rubia tarada (Sumo)
7) Muchacha ojos de papel (El flaco)
8) Promesas sobre el videt (Charly G.)
9) Hacelo por mi (Attaque 77)
10) Me gustas mucho (Viejas locas)
11) Sólo le pido a Dios (León Gieco)
12) No me arrepiento de este amor (Attaque 77)
13) Rock del pedazo (Ratones Paranoicos)
14) Como estamos hoy (Los super ratones)
15) Carnaval toda la vida (Los Fabulosos C.)
16) Culpable (Vicentico... puajjj)
17) Van a seguir...

Rosarigasinos (presos del olvido)

Rosarigasinos es una obra cálida. Los estereotipos de argentinos que construye el director Rodrigo Grande para esta buena puesta de cine nacional son queribles, indudablemente, por tan verosímiles que son.
Castor y Saravia han pasado treinta años encarcelados; quince por amor -un crimen pasional- y otros quince por amistad, un crimen que cometen adentro para sobrevivir con cierta dignidad en la cárcel.
Antes de entrar en prisión Saravia alcanza a guardar el botín de un robo, y la ilusión de salir para poder disfrutarlos es lo que les da fuerzas en el encierro.
Las alegorías sobre ciertas características del “ser argentino” que podrían construirse a partir de estos personajes dan tela para cortar, pero en el cine, más allá de cualquier lucubración intelectual, cuenta lo bien que uno lo pasa en la sala, y con estos dos rosarigasinos (rosarinos en argot de Rosario) uno lo pasa bien. Estos dos antihéroes sufren en alma y cuerpo por buscar una felicidad simplona pero auténtica, y a su manera consiguen una victoria pírrica, pero esperanzada.
Es verosímil este filme y no sólo se apoya en esa virtud para salir adelante, para gustar. La puesta mantiene un ritmo sostenido y guiños que constantemente apelan a los espectadores. Hay policías que torturan y comen pizza, hay un amigo que comenzó siendo punga (carterista) y terminó como concejal (“en el oficio” dice con sabiduría popular Castor), otro amigo soñaba con ser marino mercante pero hoy está al frente de una verdulería.
No conocemos la edad de Rodrigo Grande, pero con este filme demuestra que conoce profundamente los valores del hombre común y los supo transmitir.
Rosarigasinos es tan argentina. Federico Luppi y Ulises Dumont se sacan chispas al actuar. Es un acierto del director el haber elegido a estos dos potentes artistas consagrados para interpretar a la pareja de perdedores formada por Saravia (F. Luppi) y Castor (U. Dumont)
La música del filme -ganadora del premio Pentagrama de Oro, otorgado por primera vez a la mejor música, por la asociación de música de cine (AMUCI) en el último Festival Internacional de Cine de Mar del Plata- fue compuesta por el músico argentino radicado en Los Angeles, Ruy Folguera, un colaborador habitual de Lalo Schifrin, que además es compositor de la música de numerosos filmes, entre ellos, “Pick up the pieces”, de Alfonso Arau, con Woody Allen y Sharon Stone.
Rosarigasinos se puede apuntar como otro acierto del cine de los jóvenes directores argentinos. Es auspicioso.

Un buen libro, una buena historia, dos grandes actores: bien podría ser la síntesis de Rosarigasinos, vocablo surgido del “argot” que se utilizaba, hace algunos años, en la ciudad de Rosario, provincia de Santa Fe.
Dos compinches, ladrones y amigos hasta las últimas consecuencias, caen en la cárcel y deben purgar 30 años de condena. En todo ese tiempo han soñado con volver a encontrar a los amigos de andanzas, a las mujeres que amaron, y a una sociedad como la que ellos conocieron. Guardaron el botín en un muelle y confían en que, con ese dinero que ha esperado tres décadas, reiniciarán una vida de juerga, como la de entonces. “Tito” (Luppi) era cantor y “Castor” (Dumont), su bandoneonista. Ni bien pisan “la libertad” comienzan a notar un cambio: el “gordo” no los esperaba, hay una lluvia torrencial y el lugar donde actuaban se cae a pedazos. Pero se presentan como pueden, empapados, y hacen su show, fuera de tiempo y frente a un público que no los conoce. Recuperar el botín, encontrarse con los amigos, son las otras cuentas pendientes. La novia de “Tito” reaparece, la posibilidad de otro asalto también, pero el tiempo les juega en contra: ni el auto que tienen ni las armas están a la altura de las circunstancias. Nos recuerdan, en algunos aspectos, a aquel mítico film “La Armada Brancaleone”, con Vittorio Gassman. Aquí no hay una armada completa, son solo dos hombres que la emprenden contra una realidad que los supera. En cuanto al argot de los “rosarigasinos”, el espectador solo podrá escucharlo en una secuencia completa con subtitulado.
Nostalgiosa, con dos personajes bien construidos que tienen grandes dosis de patetismo, el film se sustenta en la notable actuación de Federico Luppi y Ulises Dumont. Y un hallazgo: los respectivos hijos en la vida real que hacen de “Tito” (Gustavo Luppi) y “Castor” (Enrique Dumont) jóvenes. Notable parecido, buenas actuaciones. El guión no tiene cabos sueltos aunque dos aspectos pudieron darle agilidad y actualidad: la utilización de “flashback” en lugar de escenas para los recuerdos y la no inclusión de los dos tangos que canta “Tito”, en forma completa. Con algunos flashes el relato cinematográfico habría cobrado otro vuelo, hubiese sido menos convencional. Es un film bueno, recomendable. Insistimos, actuaciones de lujo. Y una música estupenda.

Semilla de marihuana...

¿Qué tiene que ver una atigrada semilla de marihuana con el fusil de diseño belga y fabricación nacional? Bastante.
Hace unos años, una semilla de porro nacida en tierras criollas, cruza de un macho asiático con una madre paraguaya, fue bautizada por un agricultor anónimo como FAL 7,62, igual que el Fusil Automático Ligero, arma oficial de las Fuerzas Armadas argentinas, la que mató ingleses en Malvinas y argentinos en Tucumán, el fusil que llevaba uno de los enmascarados que robó el Banco Río, ese cuyo grueso calibre además de matar mutila, el que también lanza granadas y el que se traba cuando no se lo mantiene bien. No es nuevo.
Hace un tiempo, sea por viajeros, por internautas o psiconautas, nos enteramos de que había una poderosa semilla de marihuana, procedente de Holanda, llamada AK-47, igual que el fusil de diseño soviético conocido como Kalashnikov, el mismo que usaron los afganos para combatir a las tropas rusas o el que baquetearon los vietnamitas para expulsar estadounidenses.
Eso sí que es extraño. Que una semilla que da una planta que da un fruto –porque lo que se fuma es el fruto– que además de todo es ilegal se llame como un fusil de guerra no puede ser sino ingenio de algún fumón europeo que experimentó largo con sus cultivos in-door en el placard o en el lavadero, que gastó fortuna de luz, que cruzó semillas hasta que al fin pudo dar con una variedad única. El marketing y el esnobismo hicieron lo demás. Como el fusil, esta cepa dio la vuelta al mundo.
Poco se sabe de su creador. Lo mismo sucede con la primera cepa nacional de porro. Sí, en cambio, es sabido que no se compra ni se vende, y que, al contrario de su prima europea, no se siembra adentro y en macetas sino en la tierra y al aire libre, a partir de la primavera. Experimentados agricultores señalan que la cosecha se realiza cerca de los 1º de mayo de cada año y que, a diferencia de lo que se estila, nunca matan a la plantas macho, como hacen los europeos con la excusa de que no se fuma, sino que dejan que aquel cumpla su función, es decir polinizar a la hembra y garantizar una abundante reproducción de la especie, llenando de semillas el fruto –el cogollo– para que al año siguiente crezcan nuevas plantas. Y así nadie tenga la necesidad de comprar nunca nada. ¿Llegará esta semilla, como el fusil, a lugares tan lejanos como Ecuador y Croacia?

Por si aún no los escucharon...

Breve sección dedicada a todos ustedes con la finalidad de que escuchen estos discos, que desde ya les recomiendo: (En casa están a su disposición)

1) Durabeat: Homenaje a los Beatles - Discazo!! sin esas versiones pedorras que me tienen harto de los beatles, digamos las que vemos en la tele, gracias a Badia & Cía.

2) Nico Cota: The Solo - Este percusionista trae lo suyo (tocó en el unplugged de Spinetta) y la banda que lo acompaña en el cd sale bárbaro.

3) Juanjo Dominguez: Eterno

4) Javier Malosetti: Javier Malosetti. El otro día comentabamos con el Saya acerca de este disco, para él es el mejor del gallo solista, coincido sin haberlo escuchado entero, pero con los temas que me bajé sobra...

5) Pink Floyd: Animals - Conceptual, conservacionista (save the planet) , vanguardista por su sonoridad,

6) Silvio Rodriguez: Cita con Angeles - Letras castigando a Bush, melodías de abuelo, Verónica del mar, la simpleza en sus canciones y su casa tomada por las flores...

7) Weather Report: Heavy Weather

8) Spinetta Jade: Bajo Belgrano - Imposible elegir entre los 4 discos de Jade, escojo éste por Franov, la portada, Vas a iluminar la casa, Ping Pong y viaje y epílogo y Era de Uranio (que volvieron a ser parte del repertorio de Luis, en horabuena!!!)

9) Rubén Rada: Montevideo (los dos discos) - Con sesionistas (Hiram B. , Bakiti K.),

10) Prince: Musicology

11) Rufus & Chaka khan: Masterjam

12) Cualquiera del polaco Goyeneche - Es un bardo la discografía del gran polaco, Litto Nebbia andaba en eso, tratando de organizarla; vendría bien. Tanto grandes éxitos, Lo mejor de..., Inéditos, etc. ¿Con qué versión del Polaco nos quedamos? Cuando cantaba con las orquestas de Pichuco, Piazzolla, etc, o el que no pudo llenar el comedor del Newbery de Venado por escasez de ventas de entradas; personalmente elijo el segundo (con Néstor Marconi, arrancá Juanjo, en Caño 14, las anécdotas de Saavedra, los pajaritos...)

12) Miles Davis: The sorcerer - EL QUINTETO

13) Al Jarreau: Lis for lover y Breaking Away- Que onda tiene el viejo este!!!

14) Palo Pandolfo: Antojo - A su gusto y piacere, Don Palo se despacha con clásicos de Bowie, Radiohead, Spinetta, La Máquina de hacer pájaros, Quilapayún, Silvio Rodríguez, Mano Negra y de Don Cornelio y Los Visitantes.
En la mayoría de los covers sale muy bien parado, pero en otros, añoramos las versiones originales.

15) Ojo Bizarro: Tributo a Floyd (en vivo) - Grande corto querido!!! Suenan mejor que The end, confirmado.

16) Egberto Gismonti: Circense

17) Sting: Bring on the night

18) Raúl Carnota: Sólo los martes - Sintetiza el folklore con su trío, prestigia las zambas y chacareras del cancionero popular, interpreta desde su interior la sencillez y la armonía de estas perlas bien argentas

19) Earth, Wind & Fire: Plugged In and live

20) Eric Clapton: Unplugged

21) Bill Evans & Jim Hall: Undercurrent

22) Soundtrack: Pulp Fiction - Lejos uno de los clásicos films de la década pasada, ni hablar de su soundtrack, es increíble como se va reconociendo a través de los temas las distintas escenas de la película.

23) Bob Dylan: MTV Unplugged

24) Dave Weckl band: Multiplicity

25) Radiohead: Ok computer

26) Incógnito: Beneth the surface

27) Pat Metheny Group: The way up

28) Stevie Wonder: The best of

29) Peter Gabriel: Growing Up

30) Piazzolla y Goyeneche

31) Luis A. Spinetta: Don Lucero

32) Afrocandombe: Suena el río

33) Jaime Roos: Mediocampo (Con el temazo para el Pepe Sassia)

34) Alfredo Casero: Alma de camión

35) Alan Holdsworth: Metal Fatigue

36) Juan Carlos Baglietto: Corazón de barco-Ayudame a mirar-Luz quitapenas (Sí, los 3)

37) Jeff Beck: Wired

38) Rubén Blades: Unplugged

39) Björk: Medulla (Sin instrumentos mas que su prodigiosa voz)

40) Chango Farías Gomez: Rompiendo la red

41) John Coltrane: Giant steps

42) Dave Mathews Band: Some devil

43) Dino Saluzzi: Vivencias (I y II)

44) Djavan: Coisa de acender

45) Mike Stern: Give and take (Muy buen disco de este gran violero)


38)

Comentario de películas...

Oldboy (Corea, 2003) Director : Chan-wook ParkMin-sik Choi - Ji-tae Yu - Hye-jeong Kang

Ésta es una película con varios premios internacionales que no pasó por las salas comerciales de Rosario. Fue estrenada el año pasado por el Cine Club y ahora se consigue en video.
Sin ser especialista en el tema, tengo la sensación de que en los guiones occidentales lo importante es el personaje. El personajes es el que va marcando la dirección de la historia. Incluso algunos novelistas dicen desconocer el argumento completo y que es el propio personaje el que va narrando y desarrollando la historia. En cambio en oriente, los personajes no son importantes, lo importante es la historia.
La historia se plantea de tal forma que los personajes no tiene más alternativa que seguirla paso tras paso. Incluso da la sensación de que le podría suceder a cualquiera que esté en el lugar y tiempo adecuado. "Oldboy" se trata justamente de dos personajes arrastrados por un acontecimiento del pasado. Se trata de una venganza pero al estilo oriental: con mucho, muuucho tiempo.
Creo que es una película muy recomendable, con la salvedad de que tiene algunas escenas de violencia muy cruda no apta para estómagos sensibles.
Encuesta de El Amante Cine entre sus lectores.

La mejor película del 2005

PELICULA
PUNTOS
VOTOS
El aura (Fabián Bielinsky)
1644
249
Charlie y la fábrica de chocolate (Tim Burton)
1457
218
Entre copas (Alexander Payne)
1428
226
Una historia violenta (David Cronenberg)
1263
186
El cadaver de la novia (Tim Burton)
1120
200
Million Dollar Baby (Clint Eastwood)
1110
179
Zatoichi (Takeshi Kitano)
921
161
Whisky (Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll)
878
155
2046-Los secretos del amor (Wong Kar-wai)
815
128
Crimen ferpecto (Alex de la Iglesia)
741
139
La caída (Olivier Hirschbiegel)
709
122
La ciudad del pecado (Frank Miller y Robert Rodriguez)
692
129
La vida acuática (Wes Anderson)
645
113
Tiempo de valientes (Damián Szifron)
644
114
Guerra de los mundos (Steven Spielberg)
610
116
Mar adentro (Alejandro Amenábar)
607
98
Oldboy, cinco días para vengarse (Park Chan-wook)
549
86
Descubriendo el país del nunca jamás (Marc Forster)
544
91
Contra la pared (Fatih Akin)
515
83
Whisky Romeo Zulu (Enrique Piñeyro)
409
91
Melinda y Melinda (Woody Allen)
385
74
Batman inicia (Christopher Nolan)
376
72




Votación 2005 - los lectores de El Amante eligen las peores películas del 2005:
Papá se volvió loco!! (Rodolfo Ledo)

Million Dollar Baby (Clint Eastwood)

Alejandro Magno (Oliver Stone)

Guerra de los mundos (Steven Spielberg)

Closer, llevados por el deseo (Miker Nichols)

El aviador (Martin Scorsese)

http://www.elamante.com/nota/2/2669.shtml

En una página internacional de películas también se hizo una encuesta:
Votación de los usuarios de la pagina International Movie Data Base, evaluando solo las películas candidatas al Oscar.

Mejor película 2005
El secreto de la montaña - Brokeback Mountain 45%Vidas cruzadas -Crash 26%Munich 13%Good Night, and Good Luck. 10%Capote 4%

La peor películaLa guerra de los mundos - War of the Worlds 18%Alone in the Dark 13%Los Duques de Hazzard -The Dukes of Hazzard (2005)12%El secreto de la montaña - Brokeback Mountain 10%La guerra de las galaxias - Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith 8%King Kong 8%Fantastic Four 7%Harry Potter and the Goblet of Fire 6%

http://www.imdb.com/features/rto/2006/poll/oscarpollresults


Dos guiones extraños

Están en video dos películas que creo no pasaron por las salas comerciales. Se trata de “Dios es grande, yo soy pequeña”, con Audrey Tatu y “I Love Huckabees”. En realidad son películas bastante flojas, pero quiero mencionarlas para aquellos que les gustan los guiones con ideas raras (como por ejemplo la genial “¿Quieres ser John Malkovich?”).

“Dios es grande.....” es la historia de una joven católica que se enamora de un chico judío y, con la idea de compartir todo, intenta convertirse en una judía, apelando a las más tradicionales costumbre del pueblo judío. La idea parece simpática y tal vez en manos de Woody Allen hubiese sido genial, pero la cosa no termina de cerrar y finalmente se hace un poco aburrida.

“I Love Huckabees”, es la típica lucha entre el chico pobre, feo, de grandes ideales pero un poco "impráctico" para la sociedad actual, y el chico, lindo, rico simpático y que usa todos los recursos necesarios para obtener lo que busca. El desarrollo es bastante típico, pero la idea rara es que el chico idealista se halla un poco extraviado en su personalidad, entonces contrata a una pareja de "Detectives Existenciales", que son los encargados de investigar su propia vida y tratar de encontrarle un rumbo. Esta idea es genial y resulta por momentos muy graciosa. De todas formas, tampoco termina de ser brillante, aunque tiene escenas realmente muy buenas.

King Kong
Director: Peter Jackson.
Jackson hace todo a lo grande y requiere mucho tiempo para cada escena. Por esos sus películas tienen siempre cerca de 3 horas. Pero no es para nada aburrido. Para usar una frase hecha: "la película se pasa volando". Manteniendo la narración muy fiel al original de 1933, Jackson logra momentos divertidos, otros de mucho sentimiento y otros de pura acción, como era de esperarse.
No es un director que apele a la sorpresa. Filma de una manera muy clásica, pero sabe dónde poner el acento para lograr que uno se vaya metiendo en la historia a pesar de que todos sabemos cómo empieza y cómo termina.



Las hermanas se han unido...
“¿Qué pasó con Baby Jane?”
Director: Robert Aldrich / Nacionalidad y año: USA 1962 / Duración y datos técnicos: 135 min.

¿Qué pasó con Baby Jane?, un film de 1962 dirigido por Robert Aldrich, es una de mejores muestras de terror psicológico de todos los tiempos. Una obra maestra a la que el paso del tiempo no ha restado ni un ápice de su poder perturbador.
Una película antológica, apoteótica (y todos los calificativos grandiosos que se deseen) que mantiene total vigencia tras cuarenta años, lo que es un signo evidente de su condición definitiva de clásico inmortal.
El director Robert Aldrich fue el autor de destacadas películas como Doce del patíbulo, Bésame mortalmente o Golpe bajo. Siempre procuró conservar cierta independencia durante los años 50 y 60, y se convirtió en uno de los creadores que plasmó la violencia y la inmoralidad con mayor contundencia
La película de la que hablamos podría considerarse como una tragicomedia crítica con el viejo star-system de Hollywood, utilizando para ello a dos devaluadas divas de cine que trasladaron su mutuo odio y hostilidad de la vida real al propio set, convirtiendo el rodaje en, dicen, un auténtico infierno repleto de ataques desde ambos frentes.
Desde luego, tal conflicto real entre ambas actrices (Bette Davis y Joan Crawford) ayudó a dar verosimilitud a la despiadada relación entre sus personajes (Davis aplica un histrionismo y una sobreactuación alucinantes a su Baby Jane que, además, presenta un aspecto extraño con un rostro maquillado en exceso) y a la historia.
Lo cierto es que logran conceder realismo y credibilidad a situaciones difíciles de creer... Hasta podría decirse que el film no es más que un despiadado gran guiño del mundo que retrata.
Se trata de una obra a la que nada falta y nada sobra, un film absolutamente ejemplar en puesta en escena, guión, interpretaciones, ritmo... Y es que sus soberbias actrices dan el do de pecho con unas actuaciones de una fuerza increíble (sin duda, apoyado por el declive de sus carreras en la vida real y por el ya citado odio mutuo) que logra traspasar la pantalla para afectar directamente al espectador.
Nunca odiamos más a un personaje como a la indescriptible Baby Jane (Bette Davis), que tortura sin piedad a su (aparentemente) angelical hermana (excepcional Crawford), pero... llegamos a un final (lo mejor) que nos demuestra que no todo es blanco o negro, no todo lo podemos ubicar en el bien o en el mal de forma absoluta, sino que existe una infinita gama de grises y mucha, muchísima ambigüedad.
Ríanse de los finales sorpresa que hasta el momento han impresionado al espectador, porque aquí tenemos algo que no es lo que parece y que se nos desvela al final con total naturalidad, sin que nada derrape en lo más mínimo.
Es difícil encontrar films de terror que provoquen mayor inquietud y desasosiego sin artificios innecesarios, aunque sí arriesgando y mostrando varias escenas tremendamente crueles e inusuales para la época.Con todo, Aldrich no pretende asfixiar al espectador y le ofrece momentos de respiro protagonizados por el cómico pianista y su excéntrica madre, que otorgan a la película un peculiar tono en el que se dan cita lo escalofriante con lo humorístico, aunque hay que precisar un aviso para no iniciados: en esta película está prohibido bajar la guardia. De hecho, como diría David Mamet, las apariencias engañan, nada es lo que parece y la ambigüedad está presente en todas las cosas de la vida."
Se trata de una obra a la que nada falta y nada sobra, un film absolutamente ejemplar en puesta en escena, guión, interpretaciones, ritmo...
Y es que sus soberbias actrices dan el do de pecho con unas actuaciones de una fuerza increíble (sin duda, apoyado por el declive de sus carreras en la vida real y por el ya citado odio mutuo) que logra traspasar la pantalla para afectar directamente al espectador.
Nunca odiamos más a un personaje como a la indescriptible Baby Jane (Bette Davis, posiblemente la mejor actriz de la historia) que tortura sin piedad a su (aparentemente) angelical hermana (excepcional Crawford), pero... llegamos a un final (lo mejor) que nos demuestra que no todo es blanco o negro, no todo lo podemos ubicar en el bien o en el mal de forma absoluta, sino que existe una infinita gama de grises y mucha, muchísima ambigüedad.
Ríanse de los finales sorpresa que hasta el momento han impresionado al espectador, porque aquí tenemos algo que no es lo que parece y que se nos desvela al final con total naturalidad, sin que nada derrape en lo más mínimo.
Es difícil encontrar films de terror que provoquen mayor inquietud y desasosiego sin artificios innecesarios, aunque sí arriesgando y mostrando varias escenas tremendamente crueles e inusuales para la época.
Con todo, Aldrich no pretende asfixiar al espectador y le ofrece momentos de respiro protagonizados por el cómico pianista y su excéntrica madre, que otorgan a la película un peculiar tono en el que se dan cita lo escalofriante con lo humorístico, aunque hay que precisar un aviso para no iniciados: en esta película está prohibido bajar la guardia. De hecho, como diría David Mamet, las apariencias engañan, nada es lo que parece y la ambigüedad está presente en todas las cosas de la vida.
¿Qué pasó con Baby Jane? refleja, en resumen, los celos, el egoísmo, la avaricia, lo efímero de la fama, la caída de los mitos y hasta qué límites podemos llegar los seres humanos, incluso hasta el más dulce e inocente a priori. Un clásico de culto único. De visión casi obligatoria.





Atenti a esta nota gente: anoten...

Lo "argentino" de los films nacionales

www.lanacion.com/entretenimientos/nota.asp?nota_id\u003d749267 Por Carlos Ulanovsky




Trono de sangre

Director: Akira Kurosawa / Nacionalidad y año: Japón 1957 / Duración y datos técnicos: 115 min. b/n
Orson Welles hizo su Macbeth en un mes, dicen. Con un presupuesto ridículo y decorados de cartón piedra armó una obra magistral que todavía impresiona por su fuerza dramática y la nitidez con que la obra de Shakespeare llega hasta nosotros.
El texto teatral de La tragedia de Macbeth resulta tan vívido, tan expresivo, que a la fuerza había de llamar la atención de un cineasta como Welles, explosivo y vital como pocos. Algo semejante debió ocurrirle a Kurosawa. Cito a propósito a ambos directores porque este es un magnífico ejemplo de cómo, sin empañar sus resultados, pueden dos genios tratar un mismo tema y que de ello salgan dos obras maestras de naturaleza bien diferente.
¿Trono de Sangre es simplemente una adaptación del texto teatral? No, ni mucho menos. Creo que es algo más: es una asimilación perfecta a la historia y la cultura japonesas de una obra dramática occidental, una apropiación con la que Kurosawa logra devolvernos -una vez que le ha dado los rasgos de cuento japonés- un film universal que en nada desmerece a la historia original, convirtiéndola, por obra de su genio fílmico, en visible y comprensible para cualquier espectador, de cualquier lugar, que sea capaz de apreciar una película magistralmente contada. Pero dejémonos de abstracciones y pasemos a la película misma. En ella, como en el drama, no hay pueblo, ni hechos cotidianos, ni más paisaje que el imprescindible a la acción. Solo hay hombres de guerra, señores feudales, soldados, y una mujer -la mujer-, castillos, el bosque, la niebla y la magia del destino. "
En esta última -la presentación de lo mágico, del enigma- se recoge la única intervención argumental que sufre cambios respecto del drama original. Las famosas brujas de Macbeth que abren la acción teatral son aquí un espíritu que se hace visible en el seno del mismo bosque de "las telarañas" (nombre perfectamente elegido en el guión de Kurosawa) que protagonizará el devenir de la historia. La tela que tejen las palabras de ese espíritu de apariencia ambigua al profetizar el esplendor de Washizu, futuro señor feudal, quedará oculta al protagonista y al espectador hasta el final de la historia.
Aunque también hay otras "infidelidades" al texto literal del drama, el resultado es tan espléndido que incluso para un conocedor de Shakespeare las creo aceptables, ya que la historia en ningún momento flaquea; muy al contrario, se condensa, ganando en intensidad sin apartarse de lo nuclear.
Básicamente, Kurosawa reduce a Washizu (Toshiro Mifune) y su esposa (la Lady Macbeth japonesa que interpreta maravillosamente Isuzu Yamada) la carga dramática, convirtiéndose el film en una síntesis de lo que es realmente: el conflicto en el interior del hombre por la ambición de poder y su ignorancia del porvenir. Porque Washizu escoge, elige en cada momento su propio camino. Cuando se asoma ante el abismo de incertidumbres que le provoca el vaticinio de la bruja-espíritu del bosque se encuentra ante su propia ambición. Cuando escucha a Lady Macbeth animándole al crimen se escucha a sí mismo. Su mujer representa el verdadero deseo de su corazón, pero sin el yugo del miedo a obrar en contra de los demás y en favor propio. Al seguir el atajo para alcanzar el poder escoge la sangre y la traición para llegar a su destino; el trono, bañado de sangre.
Con esta película, Kurosawa rompe la linealidad de las historias "ejemplares" de samurais leales y heroicos para mostrarnos una historia diferente, donde la traición y la ambición se despojan de todo código de honor al uso, y lo hace trascendiendo el mayor riesgo de esta historia: que se convirtiera en una narración teatral declamada por actores vestidos de samurais.
Bien lejos de esto, la película es una verdadera obra dramática y mantiene en todo momento el lenguaje fílmico. Por supuesto, nada le falta del clásico montaje Kurosawa: los movimientos de tropas -el frenesí de los soldados en el interior del castillo, por ejemplo, en las últimas escenas, es ejemplar-, la genial actuación de Toshiro Mifune o de la propia Isuzu Yamada, los interiores, maravillosamente ambientados, fruto de minuciosas reconstrucciones de época... Todo hace de éste un film ejemplar como casi todos los de Akira Kurosawa.






http://www.angryalien.com/ En esta web encontrarán clásicos del cine en cortos de 30 segundos y en versión animada,, es excelente!!!!






Amor eterno- Un long dimanche de fiançailles (2004)
Dirigida por Jean-Pierre Jeunet, con Audrey Tautou, Gaspard Ulliel, Dominique Pinon, Chantal Neuwirth, André Dussollier.
Jeunet es el director de “Amélie” y “Delicatessen”.
“Amor eterno” tiene con “Amélie” muchos elementos en común desde el punto de vista estético. La puesta en escena es deslumbrante. La recreación de las luchas durante la 1ª Guerra Mundial, y la posguerra es impresionante. Además no se priva de nada: muestra la campiña, la ciudad, muchos interiores y muchos exteriores distintos, todo con esa pátina ocre-verde viejo, que ya es característica de sus películas.
La historia es tal vez excesivamente compleja, pero interesante. Muy recomendable para todo público y especial para los que se quedaron enamorados de Amélie, aquí tendrán para seguir viendo a Audrey Tautou, en un personaje bastante parecido.



800 balas (2002), de Alex de la Iglesia, con Sancho Gracia, Ángel de Andrés López, Carmen Maura, Eusebio Poncela, Luis Castro.
El sueño de todo director, filmar una cobóys..!!!, y Alex lo hizo..!!! Hay vaqueros, indios, diligencias, mucha tierra, un sheriff bueno, y un malo sin escrúpulos.
Una taberna, con sus peleas y sus prostitutas coloridas. Muchas balas, y hasta ... un ahorcado..! ¿Cómo se logra meter esto en una película que se desarrolla en la actualidad?... Y bueno, hay que verla. Además tiene una historia clásica del bueno y el malo, los sentimientos versus los negocios, la lucha por los ideales aunque estén totalmente pasados de moda, todo muy bien narrado. Un film emotivo y muy muy divertido, con el sello de Alex.






"La televisión ha comenzado una obra de homologación destructora de toda autenticidad. Ha impuesto sus modelos, que son los de la nueva industrialización, que ya no se contenta con un 'hombre que consume', sino que pretende que no sean concebibles otras ideologías que la del consumo. Un hedonismo neolaico, ciegamente desprovisto de cualquier valor humanístico y ciegamente ajeno a las ciencias humanas."
Pier Paolo Pasolini
(cineasta, narrador y poeta italianode cuyo oscuro asesinato se cumplieron 30 años).






Luc Besson
París, Francia, 18 de Marzo de 1959

Besson es un director para tener en cuenta. Tiene algunas joyitas del cine de acción como "El perfecto asesino". Últimamente ha dejado un poco la dirección y se dedica a producir películas y a veces a co-escribir el guión. En este aspecto es mucho más prolífico que como director. Es un poco desparejo, pero igual creo que sus películas merecen una oportunidad. Algunas de sus peliculas son :

Como director :
Juana de Arco - The Messenger: The Story of Joan of Arc (1999) - Buena
El Quinto Elemento - The Fifth Element (1997) - Floja pero divertida.
Azul profundo - Grand bleu, Le (1988) Atlantis (1991) - Rara
El perfecto asesino -The Professional (USA). Una obra maestraNikita - Muy buena..!! - No confundir con la remake norteamericana.

Como productor :Danny the Dog (2005) -
Los ríos color púrpura II - Les Rivières pourpres II - Les anges de 'apocalypse, (2004), interesante, aunque la I me gustó más. El transportador - The Transporter (2002) : Interesante film de acción sin otras pretenciones. Taxi (2000)






"El 13 de marzo de 1943 mi padre me despertó poco antes del amanecer. Cortó tranquilamente el alambre de púas. Me dio un rápido abrazo y atravesé el alambrado por última vez."
Roman Polanski
Relato de su huida del gueto de Cracovia, cuando tenía 10 años.
Revista La Nación, 04/12/05





Gente de Roma - Gente di Roma (2003)
Director : Ettore Scola. Se trata de pequeñas, mínimas anécdotas de todo tipo de gente común que vive y circula por las calles de Roma. El amor, la vejez, la locura, los prejuicios, el tipo que se levanta a trabajar temprano y espera el colectivo, la misma colectivera, algunos personajes raros y otros comunes. Las historias son pequeñas joyitas, lástima que quedan solo en eso. Solo pinceladas. Creo que vale la pena verla, pero sobre todo para los que no conocen la filmografía de Scola, les dejo una lista de sus películas más interesantes:
La cena (1998)
¿Qué hora es ? - Che ora è? (1989)Splendor (1989)La Famiglia (1987)Un día especial - Una Giornata particolare (1977)Feos, sucios y malos – Brutti, sporchi e cattivi (1976)

Raúl Castro, Murga Falta & Resto... conflicto de las papeleras...

Raúl Castro es un referente a los dos lados del Río de la Plata; tuve la suerte el año pasado de ir a ver la Falta & Resto al teatro El Círculo, y comodamente en un palco, acompañado por mi amigo Nacho Drovetta, disfrutamos del espectáculo llamado "La televisión está viva".
Esta murga es una de las mejores de Uruguay, junto a Contrafarsa, Diablos Verdes, La Margarita, Murga Madre, Curtidores de Hongos, La gran siete, Araca la Cana, La Reina de la Teja, entre otras. Recomiendo el sitio www.lasmurgas.com


La mítica Falta y Resto de Raúl Castro cruza el charco para presentar “Carnaval del Uruguay” en Buenos Aires. El murguero más conocido de aquellos carnavales habla de todo un poco, y hasta se atreve a opinar sobre el conflicto por las papeleras.
Pedro Irigoyen
“Mi sueño: propagar la murga uruguaya por el mundo, porque un pueblo que canta y se ríe de sus penas crece mas sano y es más feliz. Y porque los pueblos que cantan juntos están construyendo paz”, escribe Raúl “Tintabrava” Castro en su autobiografía. Ojalá lo escucharan los presidentes Kirchner y Tabaré Vázquez, quizás sus palabras serían más útiles que cualquier litigio internacional y ayudarían a entender que uruguayos y argentinos son dos pueblos hermanos que deben encontrar una solución inteligente y sustentable para resolver el conflicto papelero.
Con 55 años, Raúl, director y letrista de la Falta y Resto, es uno de los murgueros más famosos del mítico carnaval uruguayo. Multifacético: cantante, basquetbolista, periodista, publicista, poeta, rockero, murguero, letrista, compositor, actor, exiliado en los 70’, retornado en los 80’, padre de 4 hijos, hincha de Peñarol, fanático con alma y vida por Tabaré, el club del barrio Pocitos donde jugó más de diez años y donde aún vive a cuatro cuadras de ese mar que de este lado llamamos río.

- ¿De qué se trata el espectáculo que están dando en La Trastienda?

Es un compendio de lo que es la esencia del carnaval uruguayo, con temas emblemáticos y con un poco de poesía también, todo desde el lado de la murga que es lo más representativo de nuestro carnaval. Es un espectáculo pensado exclusivamente para nuestra gira de verano en la Argentina, pero que probablemente también demos en Uruguay porque la gente lo pide.

- ¿Y en los tablados?

Este año decidimos no concursar, para poder tener el tiempo y la dedicación suficiente para actuar en Argentina. Nos pareció importante llevar esta muestra allá, con todo el dolor del alma porque amamos el carnaval.

- Hiciste de todo, ¿cuál de todas tus profesiones elegirías?

Si tengo que elegir una, murguista. Creo que es la que más me define, porque la murga como la entendemos nosotros es un cúmulo de artes, tiene que ver con la parte plástica, poética, musical, y es un arte muy pasional también, que va mucho con mi manera de ser. Además, tiene mucho que ver también con mi faceta de publicista, porque el proceso creativo es el mismo. Y por otro lado, mi gran hobby es el deporte, no ya profesionalmente porque estoy muy veterano, pero me gusta mucho y lo hago todos los días. Voy a correr por la playa, vivo a 40 metros del mar, voy a jugar al club Bohemios, que es un viejo rival de Tabaré, club del cual soy hincha desde la infancia, pero como hay una muchachada espectacular ahí voy tres veces por semana o cuando puedo. Jugamos entre veteranos, así que las rivalidades quedaron de lado.

- Al ser la murga un género contestario, de protesta y alto contenido social, ¿te resultan vacías o blandas las canciones que quizás sólo le cantan a una mujer, por ejemplo?

Para nada, yo escribí un tango que se llama De la canilla, lo canta Adriana Varela y tiene música Jaime Ross, que habla de un hombre que tiene muchas novias y ninguna mujer, que no tiene ningún tipo de contenido social ni político.
Creo que todos los géneros son buenos mientras contengan talento y trabajo, no soy de los que piensan que la cumbia villera es mala y la música clásica es buena. Hay cosas buenas y malas en cada genero. Los géneros no dividen lo bueno de lo malo del arte, lo que los divide es lo que se llama la mariposita del talento, cuando queda una cosa, cuando trasciende el tiempo, por ahí transcurre la historia.





- Hablando de mujeres, ¿qué pasa con la murga uruguaya y las chicas? Son todos hombres...

Cada vez mas mujeres. Ahora la mayoría de las murgas están compuestas por mayoría de hombres y alguna mujer. No es el caso de la Falta donde aún no ha incursionado ninguna mujer en el coro, pero si lo han hecho en otros sentidos: Soledad, mi hija, ha colaborado con alguna letra. Obviamente que las mujeres también ayudan desde la parte estética, al igual que con los vestuarios. En la parte de coros ya va a llegar, pasa que el sonido que nos ha cautivado de niños es ese, pero no quiere decir que nos neguemos a que en el futuro alguna mujer integre la murga. Uno va cambiando, antes yo era muy conservador en ese sentido, pero estoy pensando seriamente en introducir alguna voz femenina en cualquier momento porque me parece que le da otro color y mayor riqueza al genero.

- Cambiando de tema, ¿cómo vivís el conflicto por las papeleras?

Es horrible, muy triste, muy triste... Es increíble que en un momento como este que debía ser de mucha unión y de trabajo en común esté sucediendo esto. Por otro lado, no puedo quedar ajeno a tener una opinión. Porque inclusive dentro de la murga hay opiniones matizadas y bastante divididas. Hay quienes están a favor y quienes piensan diametralmente lo contrario. Y hay algunos que si esto hubiera sucedido con otro Gobierno no pensarían lo mismo. Yo creo que unas plantas de ese tipo pueden ser una bendición o una condena.
Puede ser un peligro muy grande para el futuro y puede ser un desarrollo muy grande para un país como el nuestro, que es muy pequeño y nunca se nos ha tenido en cuenta en las grandes evoluciones económicas de esta parte del continente. Igualmente, creo que se va a solucionar para bien, porque el amor y el cariño que nos tenemos los uruguayos y los argentinos va a poder más que esto. Además, como uno ya no se cuece al primer hervor, otra de las cosas que me llama de la atención es pensar a quién realmente le favorece este conflicto. Porque yo creo que no le conviene ni a los argentinos ni a los uruguayos. Me llama la atención que un momento político de unión aparezca esto. Yo sé que va a dar para cortar mucho todavía, pero sobre todo va a dar para unir, y cuando salgamos de este conflicto vamos a estar mas unidos que nunca. Pero principalmente la exigencia de que no contaminen es la obligación, y yo te aseguro que si yo personalmente constato que se están transgrediendo las reglas, porque imagino que habrá normas internacionales al respecto, la más acérrima enemiga desde sus textos y desde su hacer, va a ser Falta y Resto. El tema es difícil, porque por un lado no puedo hacer pagar por un delito que no se cometió y por otro lado sé que hay un peligro, entonces es muy dual la percepción que uno tiene. Nosotros estamos a disposición al toque para cualquier acción que sea por la paz. Argentina, tanto a mí como a la Falta, nos abrió el corazón al medio y nos dejo entrar. Nosotros trabajamos mas allá que acá, y aunque eso no quiere decir que uno vaya a condicionar su opinión, sí nos afecta mucho estar divididos por un conflicto que ni siquiera se ha dado y que el gran beneficiario no va a ser ni el Uruguay ni la Argentina, sino los grandes empresarios. Me llama la atención que no podamos ponernos de acuerdo en tener un ente fiscalizador común, algo que nos asegure que no va a haber contaminación o por lo menos que los riesgos estén minimizados. O de lo contrario, que no se hagan las papeleras y que nos ayude la Argentina a crear un polo de desarrollo que sea común. Que sea tanto para Fray Bentos como para Gualeguaychú.
Porque Fray Bentos sin el turismo está muerto, la gente vive de la jubilación, los muchachos se tienen que ir a Buenos Aires o a Montevideo para buscar trabajo. Y encima con este tema se les viene abajo el turismo que es la única industria que para la región funcionaba. Entonces, es un problema bastante complejo. Uno como murguista no ve una solución tan fácil. Creo que tiene que salir desde la hermandad de los pueblos.

- ¿Qué opinión hay con respecto al tema con el resto de las murgas?

Están divididas. Hay diferentes posiciones, hay murgas que son bastante duras, otras que son muy irónicas, otras que como nosotros se reservan mas la opinión, pero la murga tiene la obligación y el derecho de tratar todos los temas. Cada letrista lo toma de acuerdo a su leal saber y entender.

- ¿Y en la calle?

En la calle, en Montevideo, la gente está en su gran mayoría a favor de las papeleras en base al argumento del polo de desarrollo que va a significar, y porque confían que el gobierno va a ser un buen fiscalizador. Vos fijate que Tabaré cuenta con un gran apoyo popular. Y se le cree cuando el hombre dice que van a fiscalizar y que si hay contaminación van a parar la mano. Entonces, es difícil cuando vos peleaste 30 años para que un tipo llegue al Gobierno ponerle el palo en la rueda cuando están diciendo que van a ser cosas muy importantes para el desarrollo del país. Para mí lo ideal seria no correr riesgos, que no se instalaran las papeleras, pero que sí lo haga alguna otra industria que tenga mas que ver con la ganadería o la agricultura. Fray Bentos, además, es el lugar donde nació mi madre y me resulta muy crudo que tenga esta oportunidad, y que justo venga teñida de pecado. Repito, nosotros desde la Falta estamos afines para ir y hacer un puente, sin piquetes...